ICH„Impressionists on Paper“ ist trotz einiger absoluter Meisterwerke ein kleiner Ausflug. Der Titel verrät, dass es keinen Zweck hat. Impressionisten! Auf Papier! Denn wie wir alle wissen, gehen die Kuratoren davon aus, dass die französischen Künstler, die in den 1870er Jahren den konservativen Geschmack schockierten, als Maler des Malers bekannt sind. Sie stellten ihre Staffeleien ins Freie und fingen das wechselnde Licht ein. Doch hier zeichnen sie. Aber das ist überhaupt keine Offenbarung. Renoirs Frauenzeichnungen sind ebenso langweilig wie seine Gemälde.
Traumhaft … Claude Monet, Klippen von Etretat: The Needle Rock und Porte d’Aval, um 1885. Foto: Jessie Maucor/National Galleries of Scotland.
Nur eine Zeichnung im ersten Raum packt mich. Eine Skizze von Manet von Menschen, die in einer Pariser Straße vor dem Regen fliehen, ist voller Unerwartetheiten des tatsächlichen Lebens: Es handelt sich um einen dynamischen „Eindruck“, der scheinbar aus einem Fenster stammt, von gebeugten Fußgängern mit Hüten, die Schutz suchen. Es gibt auch ein kraftvolles Porträt von Manets Schülerin Eva Gonzalès. Dieses Pastell mit dem Titel „Die Braut“ zeigt in einem scharfen, schnellen Stil eine junge Frau, die in Verzweiflung versunken ist und mit ihrer zugewiesenen Rolle unzufrieden ist. Die Blumen in ihrem Haar sind ein trauriger Witz. Aber wo bleibt der Fluss und Fluss der impressionistischen Kunst in anderen Skizzen? Monet steuert zwei traumhafte Pastelle mit surreal geformten Klippen und Felsen am Meer bei, die jedoch nichts daran ändern, wie Sie seine Bilder sehen.
Tatsächlich beweist die Ausstellung, dass die ursprünglichen Impressionisten, abgesehen von Degas, dem menschlichen Bleistift, vergleichsweise wenig wichtige Arbeit auf Papier geleistet haben. Sie waren wirklich Maler oder nichts. Vielmehr zeigt die Ausstellung die Intelligenz und Leidenschaft der Künstler, die im Frankreich des späten 19. Jahrhunderts von dieser Bewegung dazu angeregt wurden, radikal neue Bilder zu schaffen – die sogenannten Postimpressionisten. Warum sollte man eine Show, in der es wirklich um sie geht, Impressionisten auf Papier nennen? Vermutlich aus Marketinggründen.
Eine Zeichnung eines armlosen Gipsabdrucks eines Renaissance-Jugendlichen in einem engen Kürass fiel mir ins Auge. Obwohl es sich um eine „akademische“ Studie der Art handelt, die jeder Kunststudent im Europa des 19. Jahrhunderts zeichnen musste, hat sie eine besondere Intensität, ja sogar eine Tragödie, als würde sich der Künstler mit dieser gebrochenen, in Rüstung gefangenen Figur identifizieren. Es ist natürlich von Vincent van Gogh. Hier ist ein Künstler, für den das Zeichnen keine Übung, sondern eine Möglichkeit ist, sich einer verwirrenden Welt zu stellen. In seiner Skizze „Thatched Roofs“ kratzen kahle schwarze Bäume mit nur Andeutungen von Frühlingsknospen schmerzhaft über den gelben Papierhimmel. In einer weiteren frühen Van-Gogh-Skizze kämpft sich eine Bäuerin mit einem Gesicht wie eine beraubte Elfe in Holzschuhen voran und hält ihren Rock hoch, um einen Stapel geschnittenen Weizens zu tragen. Sie wecken fast den Wunsch, er hätte die Farbe nie entdeckt, doch dann verwendet er in einer Landschaft am Stadtrand von Paris aus dem Jahr 1887 Aquarellfarben, um den leeren Himmel über dem blassen Ödland in ein herzzerreißendes Blau zu verwandeln.
Der menschliche Bleistift … Tänzer auf einer Bank von Edgar Degas, um 1898. Foto: Kinnear/© CSG CIC Glasgow Museums Collection
Die Emotionen von Van Gogh entfachen schließlich diese Dampfshow. Henri de Toulouse-Lautrec teilt seine Lebenslust – aber mit mehr Lust. Zwei Frauen liegen zusammen auf einem Bett in Toulouse-Lautrecs rohem, aber sensiblem Sketch „Les Deux Amies“, den die Royal Academy ohne Geschlechtsbezeichnung als „Zwei Freunde“ übersetzt. Sie sind Arbeiter in einem Pariser Bordell aus dem späten 19. Jahrhundert. Toulouse-Lautrec malte eine Reihe dieser intimen Doppelporträts seiner Freundinnen in den Sexlokalen von Montmartre, wo sie sich abseits ihrer Kunden gegenseitig trösteten. Aber vielleicht ist dies die expliziteste. Eine Frau liegt mit entblößten Brüsten und erhobenem bestrumpften Bein zurück, während ihre Freundin unter dem rosafarbenen Tuch, das über ihren Hüften gerafft ist, mit ihrer Hand beschäftigt ist. Ihre Blicke treffen sich sanft, das Gesicht des kurzhaarigen Freundes im Hemd aufmerksam, das andere wendet sich von uns ab.
Die Empathie, die Toulouse-Lautrecs Darstellungen von Pariser Frauen entgegenbringen, wird durch die Entscheidung der Royal Academy, seine charaktervolle Kunst den späten Pastellen von Degas gegenüberzustellen, umso deutlicher. Dieser Pionier des Impressionisten, der ebenso intensiv auf Papier wie auf Leinwand arbeitete, sollte der Star dieser Show sein, aber Toulouse-Lautrec stiehlt ihn. Das liegt zum Teil daran, dass dieser Moment der Liebe in einem Establishment, das kommerzialisierten Sex anbietet, den kühlen Blick von Degas zeigt, der Tänzer und Models immer dazu bringt, eine schwierige Pose einzunehmen, während er ihre Rücken, Hälse und Brüste betrachtet.
In seiner großen Kohlestudie „Woman Combing Her Hair“ muss Degas‘ Model auf einem Bett sitzen, ein Bein hochgehoben und über das andere gekreuzt, während sie mit einem Stahlkamm durch ihr langes Haar fährt, das so angeordnet ist, dass ihre rechte Brust freiliegt. Es ist sehr spezifisch und komplex. Man kann ihn sich als Hitchcock-Regisseur vorstellen, der ihr befiehlt, sich noch stärker die Haare zu kämmen: „Zieh an den Haaren, drücke mit dem Kamm, bis es schmerzt!“ Eigentlich finde ich die verdorbenen voyeuristischen späten Zeichnungen von Degas normalerweise unheimlich modernistisch. Aber diese Ausstellung lässt ihn als verblendeten alten Perversen erstarren.
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Van Gogh und Toulouse-Lautrec retten es vor der Unfruchtbarkeit. Wen interessiert es, ob Kunst auf Papier oder Leinwand, mit Gouache oder Aquarell geschaffen wurde? Professionelle Künstler einer bestimmten Art. Die Royal Academy ist ein Club für Künstler, die sich snobistisch mit der Technik beschäftigen. Das hier ist für sie, vermuten Sie.